Beethoven - Symphonie no.9

Opéra National de Paris ClassicAll 16

{{comments.length}} Chapitrage(s)

  • {{formatTimestamp(comment.timestamp)}} {{comment.content}}
    delete save cancel

Vous pourriez aussi aimer

logo 4K
{{doc.forte}}

{{doc.title}}

{{doc.artistNames}} Premium

Ludwig van Beethoven (1770-1827): Symphonie no 9 en ré mineur op. 125 « Hymne à la joie »
1. Allegro, ma non troppo, un poco maestoso
2. Molto vivace
3. Adagio molto e cantabile
4. Presto

Ricarda Merbeth, soprano
Daniela Sindram, mezzo-soprano
Robert Dean Smith, ténor
Günther Groissböck, basse
Chœur de l’Opéra National de Paris
chef de chœur : José Luis Basso
Orchestre de l’Opéra National de Paris
direction : Philippe Jordan
 
Pendant les douze années qui ont séparé la Huitième Symphonie (1812) de la Neuvième, le compositeur a médité divers projets, lesquels ont  ni par converger dans cette somme de styles symphoniques et vocaux édi ée avec une rare cohérence. Beethoven a désiré mettre en musique l’Hymne à la joie de Schiller (1759-1805) dès ses vingt-deux ans, en 1792 ; le poète a d’ailleurs été prévenu en 1793, par un ami, qu’un certain « Ludwig van B. », très talentueux, caressait cette idée. Le musicien, en réalisant son rêve sur le tard, a eu l’audace de couronner une symphonie par cette grande cantate ajoutée, et il a fusionné dans son œuvre tous ses idéaux, sa psychologie tourmentée, sa volonté de fer, sa générosité sans bornes ; la Neuvième Symphonie est la synthèse non seulement d’un style artistique personnel, mais d’une vie ; d’où son côté emblématique et son impact qui semble inépuisable.
Le thème musical proprement dit de l’» Hymne à la joie »  gure déjà dans un ouvrage antérieur de Beethoven, la Fantaisie pour piano, chœurs et orchestre op. 80 (1808) qui est souvent considérée comme une étude préparatoire de la Neuvième Symphonie ; par ailleurs, l’idée de con er à un chœur une louange à la liberté, à l’amour, à la fraternité a déjà été accomplie par le compositeur dans la scène  nale qu’il a ajoutée à Fidelio en 1814 : l’opéra se termine, comme la Neuvième Symphonie, à la façon d’un oratorio.

La symphonie, créée avec des moyens qui paraîtraient aujourd’hui insuf sants, a rencontré immédiatement l’adhésion du public. Beethoven se tenait debout aux côtés du chef Umlauf, il suivait son travail tout en restant muré dans sa surdité. Après le dernier accord, l’assistance a manifesté un enthousiasme énorme, et c’est l’alto Caroline Unger qui a gentiment pris le compositeur par le bras pour qu’il se retourne et voie la salle en délire.
Le premier mouvement, empli d’une énergie concentrée et sombre, suit un plan de sonate régulier mais qui semble coulé dans le bronze ; l’exposition se passe de la traditionnelle reprise, la coda rappelle tout un pan du développement, et l’ensemble se perçoit comme un  ux, toujours braqué face à l’adversité, et toujours porté par un souf e de grandeur. L’œuvre commence dans un décor mystérieux de quartes et de quintes qui semble présider aux origines du monde ; dans un crescendo, ce dessin se resserre dramatiquement et laisse exploser le thème principal, un unisson de stature titanesque. Le deuxième thème est entrepris sur une idée tendre et conjointe qui pressent, comme une vague utopie, le futur « Hymne à la joie » ; mais bientôt tout un chapelet d’idées secondaires le conduit à un climat d’insistance et de détermination qui ressemble déjà à un développement. Celui-ci, ouvert par un retour du décor de quartes initial, comporte en son centre un remarquable fugato à trois entrées, dont la noble allure rappelle son homologue dans le deuxième mouvement de la Symphonie n° 3. En tête de la réexposition, l’introduction, devenue terrible avec ses timbales qui tonnent pendant plus d’une minute (trente-huit mesures), est un cataclysme, véritable point culminant du morceau. En n la coda invite une idée nouvelle et magni que, une marche funèbre en crescendo dont la dignité accablée évoque encore l’Eroica.
Le scherzo, le seul dans les symphonies beethovéniennes à être placé en deuxième position, est un tourbillon de danse, tout frémissant d’intelligence et de caractère. Dans un tempo haletant, la mesure à trois temps se bat en réalité à un temps. La péremptoire introduction n’hésite pas à laisser éclater les timbales seules ; puis le thème principal se déclenche comme une farandole en cinq entrées fuguées : thème dionysiaque, protéen dans sa bondissante allégresse avec cet arrière-goût furieux si typique de Beethoven, coupé de silences humoristiques ou de sursauts qu’assurent décidément les timbales. Cette trame de notes piquées, précise et infatigable, veut relier tous les êtres dans sa ronde et aspire déjà à l’universalité : certains passages
du  nale reprendront ce style. La partie scherzo, plus vaste et complexe qu’il ne paraît, est en fait une forme sonate. Dans le trio central, très idyllique et à deux temps, de nombreux pupitres se partagent à tour de rôle une petite chanson aussi conjointe et aussi simple que l’« Hymne à la joie » ; les effets répétitifs et doux dessinent des horizons vallonnés analogues à ceux de la Symphonie « Pastorale ».
L’admirable et long Adagio peut être considéré comme le fondateur et le modèle de ceux que signeront, notamment, Bruckner ou Mahler plus tard. Il met en présence deux thèmes, en majeur tous les deux, qui seront variés tour à tour : le premier, d’une sérénité crépusculaire et un peu mélancolique, est chanté essentiellement par les cordes, mais rencontre d’émouvants échos du côté des clarinettes et bassons ; le deuxième, indiqué andante moderato, est plus  fluide et chaleureux. Les transitions entre les épisodes sont d’une lenteur et d’un imprévu magiques. Dans sa première variation, le thème principal est délayé en doubles-croches de violons avec un accompagnement en pizzicati ; sa structure, toujours pourvue d’échos, est parfaitement reconnaissable. La variation – unique – du deuxième thème laisse celui-ci presque intact, en le con ant aux bois, dans une sorte de valse aérienne. Un intermède, fausse variation, semble s’interroger, maintenu sur une expectative perplexe ; il prépare le véritable retour du premier thème, dans sa deuxième version, aisée et affectueuse : entre les bois d’un côté et les violons de l’autre, il se superpose à sa propre variation avec une richesse très grati ante pour l’oreille. La coda, considérable, est introduite par deux sonneries, comme un appel au réveil, où retentissent les trompettes qui s’étaient tues jusque-là. Après un surcroît de variantes lointaines et ornementales, une majestueuse cadence conclut cette page emplie d’idéalisme, d’amour et de tendre gravité.
Le  nale est aussi fameux pour son utilisation pionnière de la voix dans le répertoire symphonique que pour son message humaniste. Le musicien n’a retenu en dé nitive que trente-six vers sur la centaine de Schiller : « Il a choisi les strophes les plus grandioses, nous indique André Boucourechliev ; la Joie, belle étincelle des Dieux, est celle de l’amitié, de l’amour, de la fraternité universelle, de la foi. Beethoven s’est si bien approprié le poème, il en a si bien coupé, interverti, enchaîné les vers qu’il ne s’agit plus d’un poème de Schiller, mais d’un poème de Beethoven. » Quant à « l’Élysée » dont la Joie est la  lle, d’après les éclaircissements de

Schiller lui-même, ce n’est pas un paradis lointain, mais une réalisation de l’idéal sur terre, grâce à la vaillance et à la solidarité des femmes et des hommes. Le compositeur insiste particulièrement sur les huit premiers vers, porteurs du thème célébrissime, qui revient régulièrement comme un refrain ou comme un sujet de variation ; cette mélodie apparemment si simple et si facile à retenir, futur hymne européen, lui a coûté de nombreux tâtonnements.
Ce  nale comporte quatre grandes parties : une exposition instrumentale, puis une exposition vocale, toutes deux centrées sur le thème de l’hymne qui est traité en variations ; une troisième section sur le thème de l’embrassement (« Seid umschlungen, Millionen ») ; et en n une importante coda. Deux pôles stylistiques y cohabitent en bonne intelligence : une frénésie païenne héritée du scherzo, et une solennité religieuse à la Haendel ; l’une et l’autre font l’objet de fugues suprêmement brillantes.
L’exposition orchestrale commence par ce que Wagner surnommait « la fanfare de l’effroi », jetée sur une brutale dissonance. Un récitatif bourru de violoncelles et contrebasses s’interrompt de temps à autre pour laisser surgir des citations des mouvements antérieurs, comme un index de cette symphonie : l’aube du premier volet, les bonds du deuxième, un soupir du troisième... que suit une esquisse de l’« Hymne à la joie ». Celui-ci est en n énoncé, dans toute la longueur de ses cinquante-six mesures, aux cordes graves, chant d’autant plus captivant qu’il a été préparé par tout ce suspense. D’après ses notations sur le manuscrit, Beethoven rejette l’une après l’autre, comme obsolètes, les formules des mouvements précédents puis, à côté de l’hymne, il s’écrie : « Ah ! le voici, il est trouvé, joie ! »
L’exposition vocale commence comme un décalque de la précédente ; quand le baryton solo proclame : « Non, pas cela, mes amis, mais autre chose de plus gai », les paroles ne sont pas de Schiller mais de Beethoven qui, selon son habitude, conçoit et ré échit tout haut jusque dans son œuvre même. Dans cette deuxième partie, la variation la plus amusante de l’hymne est celle, alla marcia, dite « turque », à cause de sa sympathique quincaillerie de percussions, grosse caisse, triangle, cymbales : le ténor et le chœur d’hommes nous invitent à avancer,  ers comme des soleils, dans l’espace. La familiarité de ton, le côté à la fois militaire et plébéien sont un apport très franc de Beethoven dans la sphère symphonique : il ne dédaigne pas la musique de la rue et s’adresse à tout un chacun.
« Seid umschlungen, Millionen » [« Embrassez-vous, millions d’êtres »] est une section globalement plus lente et d’une haute dévotion ; c’est là que la Neuvième Symphonie af rme sa vocation de messe déiste et laïque, dont le pendant sacré, exactement contemporain, est la Missa solemnis (1822). Le thème est annoncé par les voix d’hommes et les trombones avec une quasi-sévérité qui emprunte au chant grégorien. Un sommet purement magique est atteint sur l’évocation de la voûte étoilée : l’empilement des instruments et des voix, du grave à l’aigu sur un seul accord suspensif et doux, nous fait littéralement lever la tête vers un brouillard cosmique où les astres planent en tremblant. Soudain les voix féminines, énergiques comme des  èches de lumière, déclenchent un fugato qui entrelace les deux thèmes de l’embrassement et de la joie.
La coda porte à un sommet d’incandescence dionysiaque l’esprit de la danse. Elle commence par un développement très rapide du thème de l’embrassement ; puis, après une ultime et splendide invocation à la joie par tout le chœur, rempli de gratitude, l’orchestre conclut dans une  ambée rythmique très enlevée.

Le Palais Garnier

Opéra National de Paris

1661
Louis XIV fonde l’Académie royale de Danse, avec pour mission de former les artistes et de codifier l’art chorégraphique.

1669
L'Académie royale de Musique est fondée à l'instigation de Colbert. Sous la tutelle royale, cette institution rassemble une troupe de chanteurs, le premier orchestre professionnel de France et le corps de Ballet de l’Académie royale de Danse. Egalement nommée Académie d’opéra ou Opéra, elle a pour mission de promouvoir l’opéra français à Paris et dans les villes les plus considérables du royaume. L’Académie n’est pas subventionnée : elle vit de ses recettes propres. Ce n’est qu’après la Révolution française que son directeur bénéficiera d’une aide de l’Etat moyennant un cahier des charges. Le Roi lui octroie un privilège : le monopole de la représentation des pièces de théâtre en musique. De 1672 à 1687, Lully est directeur de cette Académie pour laquelle il compose vingt ouvrages, parmi lesquels Cadmus et Hermione (1673), considéré comme le premier opéra français, Armide (1674) et Alceste (1686).
Evénement fondateur de l’histoire de l’art lyrique en France, la création de l'Académie royale de Musique fait aussi date dans l’histoire du Ballet. L’art chorégraphique, jusqu’alors dévolu au divertissement de la Cour, dispose désormais d’une scène : la troupe danse dans les intermèdes des opéras. Peu à peu, le Ballet conquiert son indépendance jusqu’à avoir son propre répertoire au XIXe siècle, à l’époque des grands ballets romantiques.
Les deux siècles suivant sa création voient l'Opéra changer onze fois de lieu. Il occupe ainsi les salles de la Bouteille (1670-1672), du Jeu de paume (1672-1673), du Palais-Royal (1673-1763), des Machines (1764-1770), la seconde salle du Palais-Royal (1770-1781), des Menus-Plaisirs (1781), de la Porte Saint-Martin (1781-1794), de la rue de Richelieu (1794-1820), le Théâtre Louvois (1820), les salles Favart (1820-1821) et Le Peletier (1821-1873).

1681
Le Ballet de l’Opéra cesse d’être une troupe exclusivement masculine.

1733
A cinquante ans, Jean-Philippe Rameau fait ses débuts à l’Académie royale de Musique avec une tragédie lyrique composée sur le Phèdre de Racine : Hippolyte et Aricie. Triomphe. Dans la salle, le vieux compositeur André Campra note qu’il y a assez de musique dans cet opéra pour en faire dix. C’est après cette représentation mémorable que Rameau, dont le répertoire ne comptait alors que quelques pièces, va devenir le génie musical que nous connaissons. En vingt ans, il composera une douzaine d’ouvrages pour l’Académie, parmi lesquels Les Indes galantes (1735) et Les Paladins (1757). A propos de la représentation de Platée en 1745, l’Encyclopédie note qu’il s’agit là d’un composé extraordinaire, assemblage nouveau en France de grandes images et de tableaux ridicules, de la plus noble et de la plus puissante musique.

1774
En Europe, l’opéra est entré dans une phase de profonds changements qui marqueront à jamais son histoire. Alors que Mozart s’apprête à quitter son Salzbourg natal pour prendre son envol, après Vienne, Christoph Willibald Gluck arrive à Paris dans le but d’appliquer sa réforme à l’opéra français. Ses œuvres, parmi lesquelles Iphigénie en Aulide (1774), Orphée et Eurydice (1774 pour la version française) et Iphigénie en Tauride (1779), toutes créées et représentées à l’Académie royale de Musique, deviennent le fer de lance d’un art lyrique nouveau en quête de naturel et de vérité dramatique.

1776
Considéré comme le créateur du ballet moderne, Jean-Georges Noverre est le premier à imposer le ballet d'action sur la scène de l’Opéra : pour la première fois, le corps de Ballet danse, non un intermède, mais un ballet narratif où l’histoire est développée par la danse et la pantomime.

1782
Luigi Cherubini compose avec Anacréon ou l'Amour fugitif son premier opéra pour l’Académie royale de Musique. Suivront Faniska (1806), Pygmalion (1809), Crescendo (1810), Abencérages ou l'Étendard de Grenade (1813) et Ali-Baba et les Quarante Voleurs (1833).

1784
Louis XVI dote officiellement l’Opéra d’une Ecole de danse, jusqu’alors Ecole de l’Académie.

1826
C’est encore pour l’Académie que Gioacchino Rossini compose ses derniers opéras. Ainsi, Le Siège de Corinthe (1826), Moïse et Pharaon ou le Passage de la mer Rouge (1827), Le Comte Ory (1828) et le monumental Guillaume Tell (1829).

1828
Le compositeur Daniel-François-Esprit Auber et le librettiste Eugène Scribe créent pour l’Opéra La Muette de Portici. Ce grand succès, qui joua un rôle important dans l’émergence du Grand opéra français, semble aujourd’hui tombé dans l’oubli. Suivront une demi-douzaine d’ouvrages, dont Le Philtre (1831), sur le livret duquel Gaetano Donizetti composera son Elisir d’Amore. Paris scellera à jamais la collaboration de ces deux artistes géniaux que furent Auber et Scribe en donnant leurs noms à deux rues qui mènent à l’actuel Palais Garnier.

1831
Après Auber, Robert le Diable, créé pour l’Opéra de Paris, marque la première collaboration d’Eugène Scribe avec un autre compositeur majeur de l’époque : Giacomo Meyerbeer. Gustav Kobbé a beau trouver grotesque l’histoire du fils de Satan amoureux d’une princesse, la musique de Meyerbeer transcende le livret et confère à la représentation un succès si sensationnel que l’Opéra, dit-on, fit fortune. Robert le Diable marque le début d’une longue et fidèle collaboration entre le compositeur, son librettiste et l’Opéra de Paris : citons Les Huguenots (1836) – l’opéra de la consécration -, Le Prophète (1849) et L'Africaine (achevé en 1865 après le décès de Meyerbeer). En mêlant la mélodie italienne, l’harmonie allemande, le rythme et la déclamation française, l’œuvre de Meyerbeer pose, avec Rossini et Halévy, les bases du Grand opéra français. Wagner l’imite avant de s’en détacher, Verdi ne rate jamais une première de ses opéras. Paris est désormais le passage obligé de tous les grands compositeurs.

1832
La Sylphide, créé pour l’Opéra par Philippe Taglioni, est le premier ballet à être dansée en tutus blancs.

1840
Auteur en Italie d’une œuvre foisonnante de plus de soixante opéras, Gaetano Donizetti crée avec La Favorite son premier ouvrage pour l’Opéra de Paris. Suivra Dom Sébastien, roi de Portugal en 1843.

1841
Giselle, de Jean Coralli et Jules Perrot, marque l’apogée du ballet romantique. Auteur du livret, Théophile Gautier a puisé dans la mythologie allemande la légende des fiancées défuntes qui attirent les voyageurs imprudents et les font danser jusqu’aux portes du Royaume des ombres.

1845
Avec La Juive, son œuvre la plus célèbre en cinq actes avec ballet, Jacques Fromental Halévy offre à l’Opéra de Paris un chef-d’œuvre du Grand opéra français, assurant au genre une grande postérité au cours du XIXe siècle. Suivra La Reine de Chypre en 1841. Halévy partage avec Gluck, Auber et Scribe le privilège de donner son nom à l’une des quatre rues adjacentes au Palais Garnier.

1847
Giuseppe Verdi compose son premier opéra pour l’Académie royale de Musique et pour Paris en s’essayant au genre du Grand opéra. Le demi-succès de Jérusalem, attribué à la médiocrité des interprètes, ne l’empêchera pas de composer Les Vêpres siciliennes (1855) puis Don Carlos (1867). Verdi a toujours eu avec l’Opéra de Paris une relation ambiguë : ne refusant jamais l’honneur qu’on lui faisait en lui commandant un ouvrage, pestant sans cesse contre les exigences de ce qu’il appelait la grande Boutique.

1851
Sapho, premier opéra de Charles Gounod, est créé pour l’Opéra, alors Académie impériale de Musique. Suivront notamment Polyeucte (1878) et Le Tribut de Zamora (1881).

14 janvier 1858
Alors que Napoléon III se rend en carrosse à l’Opéra, des anarchistes italiens à la solde de Felice Orsini lancent des bombes sur la foule. L’Empereur et son épouse réchappent miraculeusement de cet attentat qui fait huit morts et près de cent-cinquante blessés. Le lendemain même du drame, l’Empereur décide la construction d’une nouvelle salle.

1860
Organisation du concours international pour l’édification de l’Académie impériale de musique et de danse. 171 architectes y participent. Parmi les candidats, le méconnu Charles Garnier, alors âgé de 35 ans. Son projet tente de répondre à ce qu’il pense être le problème crucial de l’art de son temps : l’impossibilité de diffuser la création artistique pour le plus grand nombre. Il est proclamé vainqueur le 30 mai 1861.

1861
Richard Wagner fait son entrée à l’Opéra de Paris avec perte et fracas. La première de Tannhaüser déclenche dans la salle une nouvelle bataille d’Hernani. L’administration cède en annulant les représentations et le compositeur quitte Paris précipitamment. Qu’importe, dira Baudelaire qui prend la défense du génie : l’idée est lancée, la trouée est faite, c’est l’important.

1862
Peintre, critique d’art, Emile Perrin devient directeur de l’Opéra de Paris qu’il dirigera jusqu’en 1871.

Nuit du 28 au 29 octobre 1873
La salle Le Peletier est anéantie dans un incendie de plus de vingt-quatre heures et dont les causes demeurent indéterminées. En attendant l’ouverture du Palais Garnier, l’Opéra s’installe provisoirement salle Ventadour.

5 janvier 1875
Inauguration du nouvel Opéra. Le Palais de Charles Garnier devient la pièce maîtresse du nouveau Paris haussmannien. Napoléon III, mort deux ans auparavant, ne verra jamais l’Opéra qu’il avait commandé. Sur l’avenue qui mène à l’entrée principale, aucun arbre n’a été planté : les passants peuvent admirer sans entrave cette façade qui aurait dû devenir le symbole éclatant du pouvoir impérial. Les airs de La Juive sont les premiers à retentir dans l’enceinte de ce nouveau temple de l’art lyrique.

1914
Alors que la France entre dans la Première Guerre mondiale, Jacques Rouché est nommé directeur de l’Opéra de Paris, qu’il dirigera durant plus de trente ans.

1929
Ancien danseur des Ballets russes de Diaghilev, Serge Lifar est invité à créer un ballet pour l’Opéra : Les Créatures de Prométhée, sur la musique de Beethoven. L’année suivante, il devient Maître de Ballet et prend les rênes de la Compagnie à laquelle il consacrera plus de trente années de sa vie. Il crée une classe d’adage, qui permet aux danseurs de n’être plus les simples faire-valoir des ballerines, et développe son style néoclassique qui imprègnera Roland Petit et Maurice Béjart.
Lui aussi issu des Ballets russes, George Balanchine aurait pu lier son destin à celui de l’Opéra à la place de Lifar : c’est d’abord à lui que Jacques Rouché avait commandé la chorégraphie  des Créatures de Prométhée, avant que la maladie ne l’empêche de porter ce projet à son terme.

1933
A neuf ans, Roland Petit entre à l’Ecole de danse de l’Opéra. Il dansera par la suite dans le corps de Ballet comme sujet, avant d’en démissionner à vingt ans pour se consacrer à la chorégraphie. Il créera nombre de ballets pour l’Opéra de Paris, dont Notre-Dame de Paris, Adages et variations (1965), Le Fantôme de l’Opéra (1980) et Clavigo (1999).

1936
Création au Palais Garnier de l’unique opéra et chef-d’œuvre de Georges Enescu : Œdipe. Dans ses souvenirs, le compositeur roumain raconte comment lui est venue l’idée de son ouvrage après avoir été ébloui par une représentation de l’Œdipe Roi de Sophocle au Français.

1939
L’Etat rapproche l’Opéra Comique, en difficulté financière, du Théâtre national de l’Opéra pour former la Réunion des Théâtres Lyriques Nationaux. L’Opéra Comique retrouvera son autonomie en 1990.

1945
Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, Reynaldo Hahn, compositeur, chef d’orchestre et critique musical, devient directeur de l'Opéra de Paris.

1957
Création au Palais Garnier de la version française de Dialogues des Carmélites de Francis Poulenc, dont la première italienne a eu lieu quelques mois plus tôt. Cette histoire bouleversante d’une jeune novice qui surpasse ses peurs pour suivre ses sœurs de congrégation à l’échafaud rencontre un immense succès. Jamais Poulenc ne mit autant de temps et d’énergie à la création d’une œuvre musicale.

1973
Compositeur, après avoir été directeur artistique de l’Orchestre de la Radio suisse alémanique à Zurich, directeur de orchestre de la radio allemande Norddeutscher Rundfunk puis intendant de l’Opéra de Hambourg, Rolf Liebermann est appelé à la tête de la Réunion des théâtres lyriques nationaux.

1974
Création de l’Opéra Studio, centre de formation lyrique résidant à la salle Favart. Il sera remplacé en 2005 par l’Atelier Lyrique.

1978
La Réunion des théâtres lyriques nationaux est dissoute au profit du Théâtre national de l'Opéra de Paris, dont Rolf Liebermann devient l’administrateur jusqu’en 1980.

1982
Jugeant la jauge du Palais Garnier insuffisante, le président François Mitterrand décide de la construction d'un nouvel opéra, moderne et populaire, dans Paris. Organisation du concours international auquel s’inscrivent 1700 architectes, pour 756 projets reçus.

1983
Création de l'Établissement public Opéra-Bastille (EPOB). A 37 ans, l’architecte uruguayen Carlos Ott remporte le concours.
Création au Palais Garnier de Saint François d'Assise, Scènes Franciscaines, opéra en trois actes et huit tableaux d’Olivier Messiaen, sous la direction musicale de Seiji Ozawa et dans la mise en scène de Sandro Sequi. Il fallut huit années à Olivier Messiaen pour écrire le livret et la partition de cet opéra, que Rolf Liebermann lui avait commandé dès 1975.
Après avoir mené une carrière internationale de danseur hors du commun, le chorégraphe Rudolf Noureev devient Directeur de la Danse à l’Opéra de Paris. Il quittera ce poste six ans plus tard, mais restera chorégraphe principal de la compagnie. Il s’attache notamment à remonter et adapter les œuvres de Marius Petipa, dont Dom Quichotte (1981), Raymonda (1983), Le Lac des Cygnes (1984), Casse-Noisette (1985) et La Bayadère (1992).

1984
Début des travaux pour la construction du nouvel Opéra.

1987
L’Ecole de danse trouve son emplacement actuel à Nanterre.


1988
Cofondateur et président de la maison de haute couture Yves Saint-Laurent, Pierre Bergé devient directeur du conseil d’administration de l’Opéra. Il organise notamment la cérémonie d’inauguration de l’Opéra Bastille.

13 juillet 1989
Inauguration de l’Opéra Bastille dans le cadre des manifestations du Bicentenaire de la Révolution française.

1990
Le Palais Garnier et l’Opéra Bastille forment l’Opéra de Paris. En mars est donné le premier spectacle lyrique à l’Opéra Bastille : Les Troyens d’Hector Berlioz, sous la baguette de Myung-Whun Chung, alors directeur musical de l’Opéra de Paris, et dans une mise en scène de Pier Luigi Pizzi. La première saison de l’Opéra Bastille débute en septembre.

1994
L’Opéra de Paris devient l’Opéra national de Paris. Ce changement d’intitulé souligne la volonté de l’Institution de rayonner au-delà des limites de la capitale.

1995
Après avoir été secrétaire général de la Réunion des Théâtres Lyriques nationaux, adjoint de Rolf Liebermann au Théâtre national de l’Opéra puis directeur du Grand Théâtre de Genève, Hugues R. Gall devient directeur de l’Opéra national de Paris.
Chorégraphe, pédagogue, ancienne danseuse du Ballet de l’Opéra, après avoir été notamment Inspectrice principale de la Danse à la Direction de la Musique et de la Danse au Ministère de la Culture, Administratrice générale de l’Opéra de Paris-Garnier puis Directrice adjointe chargée de la Danse, Brigitte Lefèvre devient Directrice de la Danse de l’Opéra national de Paris.

2004
Après avoir dirigé le Théâtre Royal de La Monnaie à Bruxelles, le Festival de Salzbourg et le premier cycle de la Ruhr Triennale, Gerard Mortier devient directeur de l’Opéra national de Paris.

2009
Metteur en scène à la carrière internationale, après avoir dirigé le Théâtre du Capitole de Toulouse, Nicolas Joel devient directeur de l’Opéra national de Paris. Philippe Jordan occupe à ses côtés la fonction de Directeur musical.

2014
Après avoir été secrétaire général du Théâtre d'Aubervilliers, co-directeur du Centre Dramatique national de Nice et du Théâtre des Bouffes du Nord, directeur du Théâtre du Châtelet, directeur général de l'Orchestre de Paris, directeur du Festival International d'Aix-en-Provence, surintendant et directeur artistique du Teatro alla Scala de Milan, Stéphane Lissner devient directeur de l'Opéra national de Paris.

Philippe Jordan

Directeur Musical de l'Opéra national de Paris et Directeur Musical désigné des Wiener Symphoniker à partir de la saison 2014/15, Philippe Jordan est, à 38 ans, déjà reconnu comme l'un des chefs d'orchestre les plus doués et les plus passionnants de sa génération.

Il prend à 6 ans sa première leçon de piano. A 8 ans, il rejoint les Zürcher Sängerknaben et à 11 ans débute le violon. En 1994, à l'age de 16 ans, il entre au conservatoire de Zurich où il obtient le diplôme de professeur de piano - avec mention. Il étudie parallèlement avec le compositeur suisse Hans Ulrich Lehmann et continue ses études de piano auprès de Karl Engel. Dans la même période il travaille comme assistant de Maestro Jeffrey Tate sur le Ring de Wagner présenté au Châtelet. Il se produit régulièrement en tant que pianiste en récitals et musique de chambre.

Philippe Jordan commence sa carrière comme Kapellmeister au Stadttheater d'Ulm en 1994/95. De 1998 à 2001, il est Assistant de Daniel Barenboïm au Deutsche Staatsoper de Berlin. De 2001 à 2004, il est Directeur musical de l'Opéra de Graz et de l'Orchestre Philharmonique de Graz. Pendant ce temps, il fait ses débuts dans les plus importants Opéras et festivals internationaux comme le Houston Grand Opera, le Festival de Glyndebourne le Festival d'Aix-en-Provence, le Metropolitan Opera, le Royal Opera House Covent Garden, le Teatro alla Scala, le Bayerischen Staatsoper de Munich, le Salzburger Festspiele (Così fan Tutte), le Wiener Staatsoper et le Festspielhaus Baden Baden (Tannhäuser). De 2006 à 2010 Philippe Jordan a été Principal Guest Conductor au Staatsoper Unter den Linden de Berlin.

En concert, Philippe Jordan a dirigé le Berliner Philharmoniker, le Wiener Philharmoniker, la Staatskapelle de Berlin, le Wiener Symphoniker, le RSO de Vienne, l'Orchestre Philharmonique de Radio France, le Philharmonia Orchestra de Londres, l'Accademia Nazionale di Santa Cecilia, l'Orchestre de la Suisse Romande, le Tonhalle de Zurich, l'Orchestre de chambre d'Europe, le Mahler Chamber Orchestra, l'Orchestre Gustave Mahler des Jeunes, le NDR/ Sinfonie Orchester Hamburg, le DSO Berlin et l'orchestre du Mozarteum de Salzburg. En Amérique du Nord, il a dirigé les orchestres de Seattle, St. Louis, Dallas, Detroit, Chicago, Cleveland, Philadelphia, Washington, Minnesota, Montreal, New York et San Fransisco.

La saison dernière, Monsieur Jordan a fait ses débuts au Teatro alla Scala (Der Rosenkavalier). En concert, il a dirigé les Wiener Philharmoniker et l'orchestre de l'Accademia Nazionale di Santa Cecilia.

Cette saison, Philippe Jordan a fait ses débuts au Festival de Bayreuth (Parsifal) et dirigera la reprise du Ring de Richard Wagner à l'Opéra de Paris. En concert, il dirigera les Wiener Philharmoniker, le Philharmonia de Londres, les Hamburger Symphoniker et fera ses débuts avec les Münchner Philharmoniker.

Philippe Jordan a enregistré en DVD Carmen (Glyndebourne Festival), Werther (Wiener Staatsoper), Doktor Faust (Opernhaus Zurich) et Salomé (Covent Garden), Tannhäuser (Baden Baden) les Nozze di Figaro (Opéra de Paris). Il a également enregistré pour Naïve l'intégrale des concertos pour piano de Beethoven avec François-Frédéric Guy et l'Orchestre Philharmonique de Radio France et Eine Alpensinfonie de Richard Strauss avec l'Orchestre de l'Opéra national de Paris récompensé par un "CHOC de l'année - Classica".

  • Chef d'orchestre
  • web

Votre réaction