Sergueï Prokofiev: Concerto pour piano no.1 en ré bémol majeur, op.10
1. Allegro brioso
2. Andante assai
3. Allegro scherzando

Sergueï Prokofiev: Suite Scythe
1. Adoration de Veles et Ala
2. Tchoujbog et la danse des esprits noirs
3. La nuit
4. Départ de Lolly et cortège du soleil

Sergueï Prokofiev: Symphonie no 1 en ré majeur, op.25
1. Allegro
2. Larghetto
3. Gavotta : Non troppo allegro
4. Finale : Molto vivace

Sergueï Prokofiev: Concerto pour violon en ré majeur, op.19
1. Andantino
2. Scherzo. Vivacissimo
3. Moderato

Sergueï Prokofiev: Sept ils sont sept op.30

Sergueï Prokofiev: Symphonie no.2 en ré mineur op.40
1. Allegro ben articolato
2. Thème et variations

Denis Kozhukhin, piano
Leonidas Kavakos, violon

Orchestre et Chœurs du Théâtre Mariinsky
Valery Gergiev, direction

Le Concerto pour piano no 1 en ré bémol majeur, op. 10 de Sergueï Prokofiev a été composé entre 1911 et 1912. Le dessin en est continu, mais il respecte la forme du concerto classique, deux mouvements rapides encadrant un mouvement lent.

C'est le premier des cinq concertos qu'il a écrits. Il s'agit d'une œuvre de jeunesse du musicien, composée alors qu'il avait 20 ans et était étudiant au Conservatoire de Saint-Pétersbourg. Il la dédie à Nicolas Tcherepnine, enseignant et compositeur qui avait un jugement très critique vis-à-vis de son jeune élève1. La création en a été donnée le 7 août 1912 avec le musicien comme soliste sous la direction de Constantin Saradjev (en). Il présente un an plus tard cette même partition au concours Rubinstein, qu'il gagne.

Son écriture est particulièrement novatrice et l'accueil fut mitigé1. Prokofiev considère ce concerto comme « sa première partition plus ou moins mature »2. Le matériau initial, qui est repris par la suite, apparaît comme une ritournelle un peu désuète, et contribue à l'impression d'unité qui se dégage de l'œuvre.

L'introduction est d'une grandeur qui rappelle la tradition du concerto romantique, à la manière de Piotr Ilitch Tchaïkovski ou Sergueï Rachmaninov. Ce premier mouvement est d'une grande variété interne, et comporte plusieurs ruptures complètes de caractère. Ainsi, à l'exposition du thème succède rapidement et sans transition un solo du piano. Le thème central en mi mineur, grave et angoissé, est également exposé sans transition et constitue donc une forte rupture. Le mouvement se conclut par le retour du thème principal, enchaîné cette fois à ce qui précède.

C'est un mouvement lent, et il débute par un thème très expressif (en sol dièse mineur), de caractère assez onirique. Exposé d'abord par les premiers violons, il est prolongé par la clarinette, soutenue par les cordes en sourdines. Le piano entre alors en scène, et rejoue ce thème dans un solo qui approfondit l'atmosphère intimiste. Après un court échange avec les solistes à vent, le thème est réexposé avec plus d'ampleur (en fortissimo). Peu à peu, l'atmosphère se calme ; le mouvement s'achève par un accord incertain des vents, auquel s'ajoute un arpège irrégulier du piano descendant vers le grave. La note finale (un la bémol très grave) indique bien que la fin de ce mouvement est suspensive, et annonce le mouvement final.

Il répète largement la structure du premier mouvement : un premier thème très rapide et bref est enchaîné avec un motif qu'on trouve sous une forme proche dans le premier mouvement. Un thème mineur semblable à celui du premier mouvement suit, amené sans transition comme dans le premier mouvement. Et le thème initial du concerto revient ensuite en forme de conclusion, dans un tutti allègre de l'orchestre.

Ce concerto est donc construit selon un principe cyclique : un ou plusieurs thèmes reviennent dans les différents mouvements, ce qui donne à l'ensemble une très grande unité.

La majorité des œuvres scéniques de Prokofiev (ballets ou opéras) ont parfois donné lieu à plusieurs suites symphoniques, permettant de faire entendre au public les extraits principaux de ses œuvres. Prokofiev fait la connaissance de Diaghilev – impresario et directeur artistique russe – lors d’un voyage à Londres en 1914 où il assiste à des représentations de ballets de Stravinsky (le Sacre du printemps) et Ravel (Daphnis et Chloé). Diaghilev lui propose alors l’écriture d’un ballet sur un sujet tiré de la mythologie russe, dont la rédaction est confiée au poète symboliste Gorodetski. C’est ainsi que naît Ala et Lolly, un ballet « scythe » qui met en scène la déesse de la fécondité, Ala, menacée par le dieu Tchoujbog et sauvée par le guerrier Lolly.

Toutefois, Diaghilev exprima une profonde déception lorsque la partition fut achevée, et lui commande un nouveau ballet Chout. Pourtant, en 1916, lorsque Prokofiev relit la partition, il décide d’une refonte et la transforme donc en suite symphonique. Cette nouvelle page fut considérée à l’époque comme « l’œuvre la plus chère du monde » en raison d’une orchestration foisonnante : les bois par quatre, huit cors, cinq trompettes, quatre trombones, un tuba, deux harpes, piano, célesta, cordes et percussions.

La Suite Scythe se divise en quatre tableaux :
1. Adoration de Veles et Ala
2. Tchoujbog et la danse des esprits noirs
3. La nuit
4. Départ de Lolly et cortège du soleil

Tchoubog et la danse des esprits noirs :
Ce deuxième tableau se révèle être de forme plurisectionnelle :

1. L’œuvre s’ouvre par un lourd piétinement d’ostinato (trombones) sur pédale de tonique. Le thème est d’aspect martial, présenté aux cuivres avec des doublures de quartes et quintes, des notes répétées, des sauts d’octaves et de rapides ascensions chromatiques.

2. Une courte section réservée aux cordes s’ouvre après une rupture ; sorte de scherzo aux accents irréguliers.

3. C’est une nouvelle phase de la danse, avec une instrumentation particulière (xylophones, tambours et cordes) sur laquelle on assiste à des échanges motiviques entre les bois (basson et hautbois) ponctués par des interventions irrégulières des cuivres.

4. L’orchestre reprend corps progressivement pour la dernière partie de la danse qui reprend le thème impartial de la première section, montant crescendo jusqu’au choc final.

Ce tableau est pourvu d’une extrême violence que l’on peut expliquer par une instrumentation très développée (les cuivres notamment), une importante conception rythmique (accents irréguliers, ostinato, peu de relevé mélodique mis à part le thème martial concis) et surtout un langage harmonique novateur (harmonies dissonantes, accords remplis de notes étrangères, empilements de quartes…). En 1916, Assafiev aurait déclaré dans la revue Musique : « Comparé à la Suite scythe de Prokofiev, le Sacre du printemps est simplement de l’exotisme.»

La Symphonie no 1 en ré majeur, op. 25 de Prokofiev est surnommée Symphonie classique en raison de ses nombreuses inspirations classiques, dont la structure et l'orchestration.

Cette symphonie est la plus connue de celles de Prokofiev (avec sa cinquième).

Elle est composée dans le ton de ré majeur et comporte quatre mouvements.
Allegro
Larghetto
Gavotta : Non troppo allegro
Finale : Molto vivace

Prokofiev commença à composer sa première symphonie en 19161. Il a alors 25 ans. Pendant que la Première Guerre mondiale faisait des millions de morts, Prokofiev travaillait sa symphonie à Saint-Pétersbourg. Il n'avait alors, intentionnellement, aucun instrument de musique à sa disposition. Il voulait essayer de composer uniquement de mémoire. « Je dus reconnaître que le matériau thématique, composé sans piano, est la plupart du temps de meilleure qualité. Lorsque j'en jouais plus tard des passages au piano, cela me paraissait bien étrange tout d'abord, mais chaque élément prenait rapidement sa place. » Il s'inspira beaucoup des symphonies de Haydn dont il connaissait très bien la technique.

Sa composition est contemporaine de celle de son premier concerto pour violon, ce dernier ayant une écriture plus « moderne ». Au sujet du titre de « Symphonie classique », Prokofiev le justifie ainsi : « d'abord pour la simplicité du titre, ensuite pour provoquer les philistins, et avec l'espoir de vraiment gagner si la Symphonie devait se révéler réellement classique ».

La création de la Symphonie n° 1 « classique » eut lieu le 21 avril 1918 à Pétrograd sous la direction du compositeur. Malgré son apparence conservatrice (mais apparence seulement), elle fut l'objet d'une véritable ovation du public.

Le premier mouvement est de structure sonate classique, c'est-à-dire exposition, développement et réexposition. Le développement apparaît après une pause marquée.

Le deuxième mouvement est divisé en trois sections, de forme A-B-A. Son rythme à trois temps l'apparente avec le menuet.

Le troisième mouvement, une gavotte est bien dansant, à quatre temps.

Le dernier mouvement, comme la plupart des derniers mouvements dans le classique est entraînant et puissant. Il mélange la forme du rondo (A-B-A-C-A-D...) avec la structure sonate.

Le Concerto pour violon en ré majeur, opus 19 est le premier des deux concertos pour violon et orchestre de Sergueï Prokofiev. Pendant la composition, Paul Kochanski prodigua des conseils au compositeur qui exploita toutes les possibilités techniques du violon.

Il a été composé en 1916 et 1917, au cours d'une période particulièrement féconde. Son écriture est contemporaine de celle de son opéra Le Joueur, de sa symphonie classique, de son troisième concerto pour piano et de ses troisième et quatrième sonates pour piano. Cette période vit également l'aboutissement de la révolution russe que le compositeur vécut à Saint-Pétersbourg, devenu Petrograd, puis dans le Caucase.

Sa première n'eut cependant lieu que le 18 octobre 1923, à Paris sous la direction de Serge Koussevitzky, Marcel Darrieux étant le soliste et le premier violon de l'orchestre. Joseph Szigeti fut, par la suite, un défenseur important de l'œuvre1.

La structure de la partition est inhabituelle, deux mouvements lents entourant une partie rapide, centrale. La composition se caractérise par la fréquente rupture puis reprise de ses lignes mélodiques et la combinaison d’une écriture rythmique très serrée avec une respiration naturellement chantante. Outre ses exigences techniques, l’œuvre, malgré tous ses détours, demande à l’interprète de ne pas perdre le fil de l’unité supérieure de ton qui l’anime.

La Symphonie en ré mineur, opus 40 est la seconde des sept symphonies de Sergueï Prokofiev, écrite en 1924.

Elle est représentative du style urbaniste, est l’œuvre la plus « avant-gardiste » du compositeur, qui la surnommait d'abord, non sans fierté, « la symphonie de fer et d'acier » avant d'en rejeter, sur le tard, l'aspect trop compact de la structure et de l'orchestration ainsi que le caractère excessivement démonstratif, et de projeter de la remanier ainsi qu'il l'avait fait avec sa Quatrième symphonie (ce projet ne put se concrétiser).

Elle a été écrite près de huit ans après sa première symphonie et quatre ans avant sa troisième. Elle est contemporaine de sa suite symphonique extraite de son opéra L'Amour des trois oranges. Il s'agit d'une commande du chef d'orchestre Serge Koussevitzky. Prokofiev s'est inspiré de Pacific 231 d'Arthur Honegger pour l'orchestration. La structure de l'œuvre est issue de celle de la sonate pour piano nº 32 de Beethoven1, composée, comme sa symphonie, d'un mouvement classique suivi par un thème et variations. Un troisième mouvement était initialement prévu, jamais écrit. De même, il existe une version simplifiée mais inachevée, de cette œuvre, notée comme son op. 136.

L’œuvre a été créée à Paris le 6 juin 1925 sous la direction de Serge Koussevitzky, et elle était destinée à choquer un public considéré comme frileux alors même que la ville accueillait une bonne partie de la modernité musicale européenne (le Groupe des Six, Igor Stravinski, Maurice Ravel...). La réception fut assez mitigée et Prokofiev, lui-même, fut assez critique quant à sa partition.

La structure en deux mouvements de durée et de caractère foncièrement dissemblables (un allegro et une suite de variations) est calquée sur l’Opus 111 de Ludwig van Beethoven et dévoile, malgré toute la posture « barbare », la conscience d’un héritage musical à assumer et d’une dette à honorer.
Allegro ben articolato

D'une durée d'environ 10 minutes, il s'agit de l'exemple le plus extrême de « machinisme musical », et le mouvement le plus contrapuntique et le plus dissonant écrit par Prokofiev.

Thème et variations
D'une durée d'environ 25 minutes, il est basé sur un thème d'origine chinoise. Le mouvement se distingue par le caractère systématiquement étrange de ses tonalités et son ambiance lyrique et mystérieuse. Le thème lui-même est Andante et il est suivi de six variations :
- L’istesso tempo
- Allegro non troppo
- Allegro
- Larghetto
- Allegro con brio
- Allegro moderato

L'œuvre se termine par une coda reprenant intégralement le thème en Andante molto, Doppio movimento.